Статьи

Подписаться на RSS

Популярные теги Все теги

Розовый цвет, как его носить чтобы выглядеть женственно!

Продолжая тему колористики, и цветового сочетания, захотелось поговорить о ...цвете розовом, тем более что он является одним из самых спорных, кому идет, а кому нет, и что с ним носить, и как)


Начнем с общего значения розового цвета. Итак, цвет заката и лепестков розы – истинно женственный цвет. Его характеризуют как нежность, стремление к стабильности, цвет материнства, слабости, наивности, не объективности восприятия мира. Это цвет всепоглощающей, верной любви и ласки.


Если говорить про количество оттенков, то их ...168!!! Как вам?!)) Поэтому есть из чего выбрать, и говорить, что розовый цвет вам не идет, по меньшей мере, легкомысленно) Палитра, от нежный и почти прозрачных пастельных оттенков, до насыщенных ярких и глубоких тонов.


Считается, что розовый цвет наиболее приближен к цвету тела, а женщины к своему телу относятся гораздо щепетильней, чем мужчины. К нему же прикованы и взгляды мужчин, которые придают сексуальные значения порозовевшим щекам. Розовый на них действует не меньше, чем красный. (Альфред Хотгес считает, что только в розовом платье девушка будет приглашена на все медленные танцы)


В месте с этим, замечается и «пошлость» «блондинки в розовом», которая символизирует женскую крайность, интеллектуальную слабость и совершенную оторванность от объективности. Выражение «розовые очки» говорит о вере в выдуманное представление о мире. За что этот цвет часто приписывают молодежи.


Розовый как смесь пурпурного (женского сверхсознания) с белым (материнской любовью) в сумме дает рождение (или возрождение). Это свойство используется в терапевтических целях: оно стимулирует обновлению организма и самоизлечение. Не зря средняя продолжительность жизни женщины больше, чем у мужчины.


Ну а теперь о том, как же носить розовый цвет, формируя нужное нам представление о себе и своих качествах.


Первое, балансируйте количество розового в образе.Иначе, это будет восприниматься как пошлость и незрелость вашей натуры, а вовсе не как утонченность и женственность. В целом мы можем сочетать монохромные оттенки, розового, пастельного и более насыщенного, но опять же важно учестть цветотип. Так летним и весенним цветотипам чаще подходят пастлеьные приглушенные оттенки, зимним – более яркие и холодные, ну а осени – глубокие оттенки марсалы (о котором я писала ранее).


Второе, при выборе розового, смотрите на свой тип фигуры, поскольк розовый цвет визуально расширяет объект.Будьте предусмотрительны в выборе этого цвета.


Где можно смело использовать розовый и его оттенки?


Розовый прекрасно подойдет для вечеринок, шопинга и праздников.Вы будете следовать своей натуре – женственности, а поэтому вами будут все любоваться. Розовый сделает шопинг приятным, результативным и не изнуряющим.


Что касается офиса, то тут стоит отдавать предпочтение приглушенным оттенкам розового. Если цвет слишком насыщенный, то мужчины сразу начинают акцентироваться на нашей женской сущности, хотя и это можно повернуть в свою сторону. Но в целом я бы рекомендовала пастельные тона.

Винтаж

Винтаж – это самое яркое и интересное из прошлого. Это именно то новое, которое называют «хорошо забытым старым». Только не подумайте, что речь идет о банальном секонд-хенде. Вовсе нет, это категория той одежды, которая слегка не дотягивает до надменного звания «антиквариат».


Сегодня считается модным украшать свою одежду ретро-деталями: будь- то пояс, либо брошка. А облачиться в платье 50-х или щегольнуть особенной сумкой – вообще можно отнести к разряду хорошего тона. К тому же, винтаж дарит возможность создать только свой, неповторимый стиль.


История стиля


Именно в Лондоне, в начале 70-х годов, возникла идея создать хиты ушедших лет в виде нового стиля. В те времена благодаря весьма активному развитию легкой промышленности модную одежду стали выпускать в огромных количествах. И казалось, что нет повода для печали. Но недостаток такой тенденции очень быстро оценила богема и другие эстеты: подобной одеждой не подчеркнешь свою индивидуальность. Именно для них и был создан бутик «Biba», первый винтажный магазинчик, где цитировали стиль 1930 годов.


Какие вещи могут называться винтажными?


Сюда относят вещи, которые могут похвастать своим солидным возрастом. Как правило, он не должен быть меньше 20 лет. Но это не единственное условие! Одежда должна четко ассоциироваться с определенной модной эпохой. Например, в 20-е годы чрезвычайно популярны были геометрические платья, скрывающие наличие груди и с поясом, находящимся в районе бедер. Сороковые годы принесли моду на твидовые пиджаки с довольно широкими плечами. К 50-м годам абсолютно четко можно отнести пышные и роскошные юбки-колокольчики.


Винтаж делится на виды


Следует знать, что истинный винтаж — это одежда, рожденная на свет не позднее 80-х годов. Но это у нас. А вот в Англии и США, где в свое время и зародилась мода на ношение одежды «ретро», максимальную ценность имеют вещи, созданные до конца 40-х годов.


Есть еще один сектор винтажного рынка – V.I.P. Сюда входит одежда кинолегенд, и бессмертных икон моды – Мэрилин Монро, Одри Хепберн, Марлен Дитрих.


Псевдо-винтаж – тоже особый вид этой одежды. К нему относятся вещи, которые намеренно изготавливают из ненатурально состаренной ткани, имеющие эффект поношенности и выцветания. Иногда истинный винтаж от искусственного отличить весьма сложно. В этом случае на помощь приходят нитки. Благодаря именно ниткам, которыми пришиты лейблы, можно установить реальный возраст вещи. Только по этому признаку и ориентируются современные специалисты.


Нельзя не отметить еще один вид этой изумительной и загадочной одежды – это наряд,изготовленный из тканей — винтаж, которые появились на свет не позднее 80-х годов и могут похвастать ярко выраженной стилистикой определенного периода моды. Процесс прост: из «ретро» выкроек и старых тканей шьют «винтажную» одежду, которую еще никто даже не примерял и не носил.


Комбинированный винтаж – это когда одежда изготовлена из современного материала с использованием истинно винтажных деталей: материала, отделки, фурнитуры.


Анализируя современные коллекции известных дизайнеров, можно заметить тенденцию обыгрывания этой темы. Стать счастливым обладателем пары туфель, сделанных по лекалам 1870 года, даже для жителя России не является сложной задачей.

Самые известные достижения Коко Шанель

Детство Габриель Шанель нельзя назвать сладким, ведь она была родом из обычной крестьянской семьи, где отец подрабатывал торговлей и имел сомнительную репутацию, а мать рано умерла от тяжелой болезни. Затем в ее жизни был монашеский приют и интернат. Так как же бедная крестьянская девочка смогла стать Великой мадемуазель, разрушительницей устоев, сумевшей кардинально изменить облик женщин ХХ века?


Деловая женщина

Начало ее головокружительной карьеры случилось во время ее любовной связи с Этьеном Бальсаном, наследником могущественной династии. Именно в этот период она много времени уделяла трансформированию мужской одежды в предметы женского гардероба. Особое внимание она уделяла шляпкам. И как оказалось не напрасно — впоследствии модели головных уборов, сделанные Коко, часто попадали на сцену. Именно тогда Коко Шанель впервые стала объектом внимания, о ней многие заговорили. В периодических изданиях постоянно появляются рисунки ее шляпок, от которых все без ума, в том числе и модельеры.


В 1913 году она открывает свой первый бутик, не считая мастерской Бальсана, где она шила свои первые шляпки. Через пару лет появляется бутик в Биаррице. Ее идеи в одежде, как ничто другое способствовали эмансипации женщин, с их помощью она освобождала дам от духовной лености. Но ее модели, к сожалению, были доступны лишь состоятельным матронам, женщинам с небольшим достатком приходилось лишь мечтать об одежде от Коко Шанель.


Уже к 1915 году на нее работало 300 человек. Удобные юбки с накладным карманами, симпатичные туники из трикотажного полотна, комфортные жакеты – этот стиль с каждым днем становился все популярнее. Шанель весьма скрупулезно работала над каждой деталью, не упуская из виду не единой мелочи. Манекенщицам, работающим у нее, приходилось не сладко – они часами были вынуждены простаивать без движения, пока воротничок не приобретал безупречный вид.


Свое сорокалетие Коко Шанель отметила более чем достойно: на свет появился первый флакончик духов Chanel №5, который может похвастать популярностью и в наши дни. Их запах многие сравнивали с «Букетом императрицы» и с «Огнями Москвы». И здесь она не изменила себе: вместо изящного флакона из хрусталя она выбрала весьма непритязательную форму. Абстрактный запах, название, простая форма флакона – все это было составляющими успеха нового детища Коко Шанель.


Создать настоящий стиль, соответствующий потребностям женщины – вот в чем заключалась ее идея. Таким образом, на свет появился новый шедевр –«маленькое черное платье» (1926 г.) Эта идея стала настоящей сенсацией, ведь благодаря незатейливой форме и универсальному цвету, такое одеяние можно было носить не один сезон, причем по любому поводу. Для повседневной носки к такому платью добавлялся белый воротничок. Собрались в театр или в гости? Что ж, в этом случае оно с легкостью превращалось в нарядное убранство, благодаря различным аксессуарам и украшениям. Это был такой себе аналог мужского смокинга. И не смотря на то, что не все тогда приняли идею о черном платьице, оно еще никогда не выходило из моды, став незаменимой вещью в гардеробе каждой женщины.


В жизни Коко Шанель было много страстных романов, ей не раз делали интересные предложения. Но работа всегда была смыслом ее жизни. Будучи в преклонном возрасте она как то сказала, что не знает, была ли она счастлива. Но если бы эта великая женщина дала слабину и пожертвовала своей работой, то возможно мы никогда бы не носили маленькие черные платья, не наслаждались волшебным ароматом Chanel №5, и не ощутили комфорта от ношения брюк.

Каблук. История символа женского могущества

Древние века


В древнем Египте обувь мастерили из папируса. Но такой обувки достоин был лишь фараон и его приближенные. Даже жене фараона приходилось ходить босиком. Кстати, цена пары сандалий стоили сумасшедших денег – годовой доход небольшого города.

Именно Египту все женщины мира обязаны появлением каблука. Сложно представить без этого элемента обуви современную женщину. В Древнем Египте такую обувь носили землепашцы, каблук создавал необходимый упор, дабы было легче передвигаться по рыхлой земле.

В Риме по обуви можно было судить о статусе ее владельца. Невинные дамы носили исключительно закрытую обувку. А женщины легкого поведения красовались в максимально открытых сандалиях, чтобы мужчины могли полюбоваться красотой их ног.

Средние века


Все модники среди вельмож и состоятельных людей носили башмаки с длинными носами. И по длине можно было безошибочно определить, к какому социальному слою относится данный «объект». Знать гордо вышагивала в обуви, длина носа которых доходила до 70 см! Чтобы благополучно добраться из пункта А в пункт Б и при этом не упасть, носы туфель пристегивали к специальному ремешку, находящемуся на колене. У простых горожан такой вопрос не стоял, поскольку длина носиков у их башмаков не превышала 30 см, благодаря специальному указу Филиппа IV, французского короля. Теперь вы поняли, где родилась поговорка: «жить на широкую ногу»?


Возрождение


Эта эпоха внесла моду на обувь с широкими носами, и прогулку господ можно было сравнить со стадом гусей, вышедших попастись. Прекрасная половина решила воспользоваться «цоколями» — деревянной пародией на нашу платформу. Такие перемены были вызваны довольно тяжелыми и громоздкими нарядами, свойственными тому времени. Чтобы казаться выше и стройнее женщины решили таким образом добавить к росту несколько сантиметров. Походку дам в такой обувке «легкой» сложно было назвать, но за дело решил взяться сам Леонардо да Винчи. Он изобрел более комфортный вариант дамской обуви, который имел много общего с современным, всеми нами любимым, каблуком.


Барокко


Ботфорты – одна из самых популярных вариантов обуви. Они использовались как для повседневной носки, так и для верховой езды. В XVII веке на пике популярности оказались обтягивающие чулки, на которые сверху обувались башмаки. А 1680 год принес моду на очень тонкий и высокий каблук. Он был настолько тонок, что дамы могли передвигаться лишь с помощью трости. Кавалеры, недолго думая, тоже захотели выглядеть привлекательно, и мода на каблуки стала тотальной. После такого поворота событий императоры издали указ, который регламентировал высоту каблука в зависимости от сословия.


ХХ век


Этот период можно с уверенностью назвать торжеством обувных мастеров. ХХ век подарил нам и водонепроницаемые подошвы, сделавшие обувь чрезвычайно практичной и шпильку – символ женской сексуальности и платформу. Но самым популярным и неизменным вариантом обуви по праву являются мокасины – ботинки индейцев.


Интересно знать


Исследования утверждают, что с каждым годом размер ноги женщины все стремительней приближается к мужской отметке – 42- 43. Не верите? У хрупких француженок самым ходовым размером считается 39-й, а у датчанок – 41-й. Американки — безусловные рекордсменки, их стопа достигает 42-го размера. Наши дамы по сравнению с остальными просто Золушки – средний размер русской женщины колеблется в пределах 37-38 размера.

Цвет женского характера

Красный цвет

Дамы, которые отдают предпочтение красным оттенкам, очень часто являются яркими, сильными личностями, с экспрессивным характером. Но и со своими минусами: женщина в красном вспыльчива, иногда - истерична, и как правильно- сексуально- агрессивна: она флиртует уж слишком откровенно, притягивая моментально внимание мужчин. Она провоцирует окружающих на моментальную реакцию, своими острыми репликами и страстным языком жестов. Такие женщины предпочитают более спокойных кавалеров: они сами - лидеры, и не могут вытерпеть постороннее доминирование над собой. Ее мужчина должен быть мягким, на первый взгляд, но самоуверенным человеком. Он должен обладать внутренним стержнем, который позволит любительнице красного почувствовать твердость. Такой мужчина позволяет женщине ощущать себя манипулятором, хотя на самом деле, он самостоятельно будет контролирует отношения.


Синий цвет

Если вы любите синий - вы спокойнее тибетского монаха. Индиго, голубой, ультрамариновый - их предпочитают гармоничные особы, со зрелой душой. Кстати, если покрасить стены комнаты в оттенки синего цвета, то со временем вы заметите, как становитесь все более умиротворенной, находясь в четырех стенах. Женщина в голубом платье будет стремиться к серьезным отношениям, где нет места вспышкам беспочвенных конфликтов и страстным скандалам. Как правило, почитательница небесных тонов, выбирает себе мужчину постарше. Он должен быть столь же спокойным, или хотя бы податливым. Если мужчина будет демонстрировать агрессию любого вида, он моментально разонравиться такой женщине.


Желтый цвет

Желтый характеризует целеустремленных и самоуверенных карьеристок. Они амбициозны и очень стремительны, однако имеют свойство, время от времени, впадать в детство: житейские проблемы, которые не касаются трудовой деятельности (любовь, быт, семья), превращают их в мягких и наивных. Вы наверняка встречали серьезную бизнес-леди, которая рассуждает как школьница, если речь идет о романтике.

Такие дамы любят раскрепощенных, веселых мужчин, которые стараются не обременять себя тяготами современной жизни: они работают и отдыхают спонтанно, не строят планы на завтра, и живут сегодняшним днем.


Фиолетовый цвет

А вот фиолетовый обожают артистки. Сочетание самого холодного и самого теплого цвета в одном флаконе, комплиментарен кокетливым творческим личностям, которые окутывают себя аурой загадочности и драмы. Они умеют произвести впечатление, и в миг завоевывают интерес любого человека своим нестандартным мышлением. Поклонницы фиолетового нередко выбирают творческие профессии: художественные, музыкальные, и конечно же- театральные. В такой богемной среде им часто попадается любимый тип мужчин: герой- романтик, который профессионально флиртует, заводит философские рассуждения, и часто является истинным бабником (с которым любительница фиолетового любит соперничать в искусстве соблазнения).


Зеленый цвет

Те женщины, которые выбирают зеленые тона - от салатового до хаки, отличаются благородством и идеализмом. Они честолюбивы, и очень требовательны к окружающим. В студенческие годы они возглавляли проф.ком, числились в отличницах, и настойчиво созывали всех лентяев на субботник. Женщина в зеленом костюме никогда не станет встречаться с негодяем: для нее, важнее всего человеческие качества избранника, такие как доброта и мужество, а не обеспеченность, или внешность. Правда, она будет долго и настойчиво интересоваться семейным фоном каждого нового знакомого: какие у него родители? Чем они занимались?


Оранжевый, персиковый и рыжий цвета

Оранжевый, персиковый и рыжий, предпочитают свободные натуры. Они спонтанны, веселы, и легки на подъем. Им не свойственно унынье: чаще всего, такие дамы отличаются непробиваемым оптимизмом. Кроме того, поклонницы апельсиновых тонов, чаще живут в открытых отношениях. Они не видят ничего постыдного в активной смене партнеров, или в свободной любви. Персиковый- самый эротичный цвет: он повторяет оттенок обнаженной кожи. Если женщина предпочитает его носить, это значит, что эротика несет огромный вес в ее жизни. Она не может терпеть скованность в интимном аспекте, и длительный сексуальный голод способен вывести ее из себя. Мужчин она выбирают по принципу схожих интересов: если он готов на легкость, на спонтанность, на то, чтобы увести ее в ночь в другой город, или позабыть все планы, и пойти веселиться до утра- он ее покорит.


Черный цвет

Черный - мрачный, строгий, сексуальный цвет, любят женщины- интеллектуалки. Им свойственно чувство внутреннего нонконформизма: даже в зрелом возрасте, они продолжают интересоваться самыми тяжкими мировыми событиями, и любят осуждать и критиковать состояние современной экономики и политики. Женщина в черном, часто увлекается философией, теологией и культурой. Она любит читать, и смаковать своими внутренними переживаниями. Правда, если дама постоянно носит черный, это нередко отражает затянувшуюся депрессию. В такие моменты она еще больше уходит в себя, и продолжает рассуждать о бытие. Мужчину она выберет равного себе по интеллекту. Больше всего, ее притягивает душевная глубина.


Белый цвет

Белый - цвет нового, чистого, нетронутого, выбирают наблюдательные, и в то же время- скромные натуры. Не смотря на энергетику открытости и праздника, который несет в себе этот цвет, он свойственен несколько замкнутым, и тихим дамам. Как правило, они сочетают легкий орнамент на белом фоне- цветы, геометрические фигуры, горох. Такие женщины отличаются особой проницательностью. Причем, они относятся по-матерински снисходительно ко всем проявлениям человека, как смертного- к ревности, зависти и скупости. Их анализаторские способности не делают их судьями. Напротив: они всегда могут подставить плечо и выслушать все слезы своих близких. Мужчины тянутся к ним, с надеждой получить материнскую опору. Но все же, они предпочитают тех кавалеров, которые умеют опекать и поддерживать взаимно. Их отношения закономерны: мужчина- отец и женщина- дочь, или наоборот.


Розовый цвет

Розовый любят инфантильные, нежные, игривые женщины. Такие, которые все еще тоскуют по детству, по своим куклам и по целому зоопарку плюшевых зверей. Они хрупки, капризны и очень притягательны. Даже в пожилом возрасте, поклонницы цвета фламинго излучают девичий трепет. Многие из них не строят карьеры, а занимаются домашним очагом. Они любят чувствовать сильное мужское плечо и ответственность: чтобы их защищали, и о них заботились. В юности они выбирали дворовых хулиганов, которые становились мягкими и податливыми, в женском- розовом, принцессовском обществе. А когда такие девушки превращаются в женщин, они стремятся к сильному мужчине, который позволит им быть наивными девочками.

Корсет. Стройность и изящество

Современные модельеры, стилисты и дизайнеры выдумывают все новые способы сделать женщину краше и совершеннее. Ведь стремление многих дам к идеалу красоты не знает границ. В разные эпохи этот идеал менялся; а предметы туалета перекочевывали из одной эпохи в другую, меняя свои функции в зависимости от тенденций времени.

Одним из таких культовых предметов был, и остается по сей день – корсет. Этот предмет гардероба (от франц.corset) — в виде широкого пояса с вшитыми упругими пластинками, туго охватывающего нижнюю часть грудной клетки и живот, создан для формирования тонкой талии поддержки груди. Обычно с одной или нескольких сторон корсета есть шнуровка, или же ее заменяют застёжки, а иногда просто вставляют молнию.На рубеже 19 - 20 веков корсет был настолько популярен, что о некоторых модницах того времени шутили, будто объем их талий равен объему шеи их ухажеров. Известны случаи, когда жертвы моды ложились под нож, чтобы удалить пару ребер, и стать еще тоньше. Такие жертвы покажутся еще более чрезмерными, если учесть, что в то время полного наркоза еще не применяли.

Культ тонкой талии был идеалом в самые разные времена. В Новой Гвинеи, например, ребенка крепко стягивали посередине, и он на всю жизнь приобретал осиную талию.

Самый простой корсет – это просто широкий пояс. У народов многих стран принято было туго обматывать его вокруг талии.

На острове Крит еще тысячелетия назад тонкая талия считалась эталоном, и во имя этого девушки и юноши крепко стягивали себя широким кожаным ремнем. Это делалось не только ради красоты, но и в чисто практических целях: широкий с металлическими бляшками пояс служил хорошей защитой во время популярной на Крите игры - акробатических прыжков через острые рога быков. Поддерживать форму помогали физические упражнения, теперь это - занятия спортом, что помогало женщинам приобрести тонкую талию и красивую форму бюста, выглядывающего полностью в разрезе платья. В Древнем Риме вялую грудь хитро скрывали, перемещая пояс на платье под самую грудь. А в античный период римлянки уже носили кожаный бюстгальтер.В конце 18 века в моду вошло облегающее платье, подчеркивающее формы тела. Bandeau - широкий пояс, охватывающий женскую талию и приподнимавший грудь, стал очень популярен. Такой корсет зашнуровывался то спереди, то сзади. Тогда были сделаны первые попытки расширить форму юбки, чтобы подчеркнуть талию. Этот хитроумный прием, позже в 19 веке, станет основным орудием моды.

О корсете как об отдельном предмете женского туалета впервые заговорили в во Франции периода Бургундских мод. В это время в моду входят более обтягивающие одеяния, которые зрительно исправлять недостатки женской фигуры. Железные или деревянные бруски, которые вшивали в ватную подкладку одежды, находились между грудными железами и тянулись сверху до нижней части живота. Корсет мог шнуроваться спереди, сбоку и сзади. Стоимость такого корсета была очень высока и это могли себе позволить только дамы высшего света.

Корсет и широкая юбка на обручах были господствующими и в начале 16 века. Корсет тех времен представлял собой лиф без рукавов. Он не был еще жестким на китовом усе, как позже, а на прочной подкладке, но результат был тот же. Юбка на обручах имела сначала коническую, позже куполообразную форму и ее укрепляли жестким полотном.

Позже (во второй половине 16 века) стали применяться длинные прутья - изобретение, придерживающее переднюю часть лифа между бюстом до низа живота. К облегчению, это "орудие пытки" разрешалось снимать в минуты отдыха. В музеях Франции можно увидеть железные корсеты, которые, очевидно, предусматривались больше для исправления осанки, чем являлись частью повседневной одежды.Но самой суровой была испанская мода в середине 16 века. Сильное влияние на женскую одежду оказала церковь. Женщина была объявлена источником всех бед и грехов. Поэтому женщинам и девушкам приходилось полностью прятать свою грудь, которая должна была выглядеть совершенно плоской. Испанские дамы из высшего общества для достижения плоских форм стягивали свою талию до 20 сантиметров в полуобхвате, вызывая этим многие заболевания внутренних органов!

Но такие изуверства в моде продлились недолго: в 17 веке металлические (деревянные) прутья сменил китовый ус, который был более легкий и гибкий.

В 18 веке появляется так называемый panier - зашнурованный лиф и юбка на обручах. Лиф шнуровали спереди или сзади посередине; переднюю застежку часто закрывала вышитая деталь, а иногда ее нарочито оставляли на виду и декорировали.

В корсет затягивались все дамы, вплоть до маленьких девочек. Без корсета ходили только простые женщины в провинции.

В 1789 году, когда случилась Великая французская Революция, была свергнута королева Мария Антуанетта, а с ней и ненавистные аристократические атрибуты: корсет, юбка на обручах, припудренные парики, ленты, банты, мушки... В моде восторжествовал единый стиль, который убрал классовые различия.

Что касается корсета, то он уменьшился до размеров пояса. На это изменение повлияла английская мода: дворяне там очень ценили практичность и удобство одежды.Десять лет спустя корсет потерпел большие изменения: линия талии поднялась под самую грудь, в результате платье фактически выполняло роль бюстгальтера, и корсет потерял всякий смысл. Формы тела подправляли иногда узким шарфом, поддерживающим грудь и завязывающимся сзади накрест. Появившись во Франции - стиль "ампир", с перемещенной под грудь линией талии держался в моде до 1821 года. Только потом талия начала понемногу опускаться, пока к 1825 году вновь не оказалась на своем естественном месте. С этого времени и до конца 19 века все европейские женщины носили корсет. Это касалось уже не только модниц и светских дам, но женщин всех слоев общества.

Многие выдающиеся женщины того времени выступали против корсета – среди них, например, была знаменитая французская писательница Жорж Санд.

Но первые предупреждения о том, что пора менять женское платье прозвучали лишь в 1850 году. Вредное влияние корсета на женское здоровье было доказано медиками. Стало понятно, что шнурованная одежда не так хороша, а, напротив, является причиной - плохого пищеварения, истерии, искривления позвоночника, болезни печени и сердца, рака и ранней смерти. Все болезни объяснялись ношением корсета.

Несмотря на это в течение всего 19 века корсет оставался основой женской одежды. Зато его форма и внешний вид видоизменялись. Так, в 1880 году появился новый сорт корсета - "помпадур". Он был коротким, выше бедер, спереди и сзади заканчивался острым углом.В 1900 году появился новый вид корсета, придавший фигуре модный силуэт в виде буквы S. Грудь демонстрировалась в ее естественных формах, живот освободился от давления. Идеалом стали формы зрелой женщины. Крупным реформатором-освободителем женского тела стала танцовщица Айседора Дункан. Пропагандируемый ею естественный танец ускорил появление в моде свободного платья.

В последнем десятилетии XIX века корсет стал короче и прямее: по бедрам в нем сделали вырезы, бюст же разделили короткие пучки из китового уса, называвшегося divorces.

И всё же, корсет мешал женщинам чувствовать себя свободно в современном мире. Это стало ощутимо, когда в 1885 году дамы сели на велосипед и с этой поры стали жаловаться на то, что тугой корсет мешает им в езде.

И, наконец, в следующем году появился…бюстгальтер! Он уже являлся отдельным предметом женской одежды. Это изобретение было запатентовано Йозефом Уэлсом из Филадельфии. Бюстгальтер представлял собой корзину сплетенную из проволоки, он был гигиеничен, не впитывал пот, и каждая женщина могла подобрать себе нужный размер. Уже в следующем году, новшество можно было заказать по почте за 75 центов.Сегодня корсет уже не скрывают под одеждой, а, наоборот, носят в качестве верхней одежды, вместо топа или декольтированного платья. Современные модельеры активно взялись раскручивать этот элемент женского нижнего белья, и, сегодня, к счастью, он не является обязательной частью одежды, а, скорее, призван произвести впечатление в спальне или на тематической вечеринке.

Перчатки - вторая кожа...

Этот предмет гардероба, к сожалению, уже утратил свой особый смысл, утонченность и аристократизм, какими отличался в прошлых столетиях… Он превратился в практичную и обыденную вещь: сейчас перчатки носят в основном для защиты от холода. Но они не только согревают руки – точно повторяя человеческую кожу, этот аксессуар играет роль своеобразной маски руки, скрывая ее подлинный возраст, род занятий, дефекты или отсутствие безупречного маникюра! Не зря плотно облегающие руку перчатки сравнивают со второй кожей.

Как украшение и защита рук перчатки известны с древних времен: в египетских пирамидах среди многочисленных вещей в личном гардеробе фараона обнаружили и этот предмет. Первоначально их делали в виде простых мешков, без отверстий для пальцев, и только позднее возникло нечто вроде варежки. Но уже в древности существовали и перчатки с пальцами: египтянки и римлянки защищали ими руки во время работы и еды.В Средневековье носили перчатки без пальцев, или митенки. Именно в Средние века этот предмет туалета стал иметь символическое значение, сложились первые правила этикета, связанные с ним: перчатка вручалась вассалу в знак покровительства. Обидчику ее бросали, вызывая на поединок. Перчатка, подаренная рыцарю дамой, была свидетельством расположения и любви, и ее держали на видном месте, прикрепляя к шляпе или поясу. Выходить из дому без «второй кожи» считалось просто неприлично. Снимали перчатки в знак почтения в церкви. Судья обнажал руки при оглашении приговора – из уважения к закону. Во время приветствия также снимали перчатки, демонстрируя свое доверие к человеку.


Перчатка до известной степени символизировала своего владельца, считалась как бы частью самого человека. Известно, как после гибели Пушкина Жуковский, лишенный возможности участвовать в похоронах друга и бросить в могилу ритуальную горсть земли, вместо этого положил в гроб поэта свою перчатку.


Особой популярностью это украшение руки пользовалось в 19 веке. Перчатки практически не снимали в течение всего дня; в высшем свете их меняли минимум шесть раз в день! Испачканные и рваные – они сразу же выбрасывались, поэтому человеку из общества требовалось не менее 365 пар в год... В основном этот предмет туалета делали из лайки – кожи новорожденных козлят или ягнят. Лайковые перчатки были очень эластичны и, надетые на руку, не морщинились. Но при этом тонкие и плотно натянутые перчатки часто лопались, так что с собой всегда старались носить запасную пару. Да и надевать их было непросто: приходилось натягивать с помощью особых щипчиков – пинцета. Так как публично надеть лайковые перчатки было довольно трудно, этикет предписывал надевать их дома и не снимать в течение всего вечера.Кроме материала был важен и цвет: мужчины подбирали эту деталь костюма под цвет фрака, для охоты они были из желтой кожи, к траурной одежде полагались перчатки черного цвета. Дамы отдавали предпочтение светлым тонам. Вообще белый цвет был особенным: белая бальная перчатка скрывала морщины, «уравнивала» молодые и старые, красивые и уродливые руки, она была знаком избранности ее владельца. Белый цвет имел почти магическое значение, и дамы из небогатых семей вынуждены были прибегать к разным хитростям, чтобы вернуть перчаткам белизну и свежий вид: их аккуратно штопали и чистили! Если для людей состоятельных считалось нормой, что белые перчатки – вещь одноразовая, то люди среднего достатка, желая следовать правилам этикета, иногда неделями носили в руках, не надевая, единственную пару новых перчаток с таким видом, будто только что их сняли.На балу сей аксессуар был неотъемлимой частью костюма, так как касаться друг друга обнаженными руками считалось просто недопустимым! Оголять руки позволялось лишь во время ужина и за карточным столом. Вечером этот предмет туалета мог быть только белым, цветные перчатки носили в это время суток только дамы полусвета и певицы. Одной из первых длинные цветные перчатки надела во время своего выступления французская шансонетка Иветт Гильбер. Благодаря ей «пикантные» черные перчатки стали символом эротичности. У кавалеров они были короткими, до запястья, дамы в открытых платьях носили очень длинные, выше локтя.


Сейчас мы имеем не так уж много поводов надеть длинные черные бархатные перчатки: не устраиваются ежедневные балы, в театр люди в основном ходят в своей будничной одежде, а на торжественных приемах, согласитесь, приходится бывать не часто. Поэтому теперь вопрос о том, надевать этот предмет на руки или нет, зависит только от желания и настроения владельца (в этом тоже есть своя положительная сторона!) или от погоды. Однако дорогие красивые перчатки, как и прежде, выглядят очень изящно и притягательно, придавая их владельцу особый шик.


Кстати. В моде последних сезонов перчатки играют важную роль, порой определяя все настроение костюма. При выборе материала для перчаток дизайнеры не останавливаются на традиционной коже или замше. На показах все чаще можно видеть перчатки из ткани, трикотажа, кружева. Варьируется и длина - помимо традиционно модных длинных перчаток, все чаще предлагаются короткие или очень короткие, не доходящие даже до запястья.

Винтажная бижутерия: вещицы с историей

Итак, что же это такое - винтаж и винтажные украшения? Давайте попробуем разобраться...


Как не странно сегодня одним из модных направлений в мире аксессуаров становится именно винтажная бижутерия. Да, мы возвращаемся в прошлое, время идёт по кругу, и всё повторяется. Как говорится, новое это хорошо забытое старое. Вообще, винтаж (vintage) – слово французское. Как термин было введено виноделами для обозначения классности редких вин, долгие годы хранящихся в погребах. Чем дольше срок хранения – тем лучше напиток (вкус, букет, цвет), тем он ценнее, тем дороже.


Вот и винтажные украшения, вынутые из старых забытых сундуков, ценятся сегодня на вес золота. Почему такой ажиотаж? Ответ очень прост: прошлое – это уже история, а история и то, что она сохранила до нашего времени – это всегда ценность. Поэтому винтажные украшения никогда не выйдут из моды. Они всегда подчеркнут Вашу индивидуальность, изысканный вкус и благородное начало, что немаловажно для такого светского мероприятия, как бал.


Если Вы всё-таки решили, что Вам крайне необходимо выделиться среди прочих претенденток на престол, Вы, конечно, можете пойти в Эрмитаж и попробовать украсть одно из украшений Екатерины II или пойти более честным, но не менее сложным путём - перекопать все прабабушкины шкафы, сундуки, кладовки и чердаки. Но на самом деле совсем необязательно переступать закон или так глубоко копать, чтобы найти столь ценный клад. Кроме старинных сундуков такую бижутерию можно поискать на блошиных рынках, где иногда случается обнаружить действительно интересные вещицы. И стоят они не так дорого, ведь кто-то даже не представляет, какую бесценную вещь он продаёт. Ведь Вам стоит только их немного преобразить, придать им блеска, и вот в Ваших руках готовый модный аксессуар со своей историей. Гораздо проще приобрести винтажную бижутерию в специализированных магазинах или в интернет пространстве. Но это уже будет не настоящий винтаж, а его хорошо сделанная копия. Сейчас делают очень красивые ювелирные винтажные украшения, которые смотрятся иногда даже лучше, нежели, чем настоящие из прошлых времён. Да и выбор сегодня более широкий.'

Но есть ещё один способ пощеголять в таких украшениях - это попробовать сделать их самим. Это не так сложно, ведь сейчас можно найти специально созданные для такой бижутерии винтажную фурнитуру и материалы. Создавать украшения своими руками всегда интересно, т.к. у Вас есть свобода выбора того, что Вы хотите получить в результате. Вы сами придумываете дизайн будущего изделия, выбираете материалы, которые Вам нравятся, Вы привносите в украшение что-то своё, свою изюминку. Обычно такие изделия ручной работы изготавливаются из латуни, а затем покрываются состаренным серебром, золотом или бронзой для того, чтобы подчеркнуть желанный эффект.


Вот примеры некоторых винтажных украшений, которые сделаны своими руками:

Здесь используются Сваровски, винтажные подвески, а также филиграни, - ажурные металлические узоры, которые сгибаются и обрамляют Сваровски. Выглядит очень эффектно и не так сложно в изготовлении.

Из истории свадебной моды

Цветовые сочетания свадебного костюма, которые сложились к 19 веку и окончательно закрепились в 20-м, а именно - разные оттенки белого и экрю, появились очень поздно, только в эпоху Наполеона. До этого свадебных платьев как отдельного вида костюма просто не существовало. Свадебные платья были просто лучшими, самыми нарядными и дорогими одеждами, в которых венчались.


Заметим попутно, что термин "свадебное платье" существует исключительно в советской терминологии, поскольку брак при социализме не был церковным. В контексте разговора об историческом костюме корректней употреблять термин "подвенечное", т.е. платье, в котором "шли под венец", венчались.


Свадебная одежда сильно разнилась в зависимости от вероисповедания и конфессиональной принадлежности - то, что носили католики, православные, иудеи, мусульмане и представители других конфессий, имело больше отличий, чем сходства. Это существенное обстоятельство, поскольку оно обязывает нас обозначить рамки нашего небольшого исследования - не "свадебный костюм" вообще, а свадебный костюм преимущественно европейский, т.е. бытовавший в рамках католицизма и протенстантизма.


Самые ранние изображения средневекового свадебного костюма относятся к 15 веку. Главное, что сохранилось в готическом свадебном костюме] из древности, это его новизна - свадебный наряд должен был быть не просто лучшим из имевшихся, он непременно должен был одеваться впервые, т.е. он специально готовился к этой церемонии. Подвенечное платье заказывалось вместе с приданым невесты и составляло часть этого приданого.


Наличие приданого было необходимым условием заключения брака. Невеста должна была привнести в дом большое количество добра, с помощью которого будет осуществляться быт новой семьи. В частности, приданое включало в себя: комплекты постельного белья, парадного и повседневного; оговоренное количество платьев и других предметов одежды; набор столового серебра, ножей и ложек, а после 16 в. - и вилок; посуду; комплекты ювелирных украшений (бриллианты вошли в обиход только после 16 в., а в эпоху Средневековья ценились украшения с изумрудами, рубинами, сапфирами…); мебель, осветительные приборы, ковры и многое другое. Вклад мужа в благосостояние будущей семьи заключался в том, что он обеспечивал дом - место, где новая семья обустраивала свою жизнь. Все это тщательно фиксировалось в свадебном контракте.


Необходимо отметить, что в заключении брака в эпоху cредневековья практически не было места романтическим отношениям, браки заключались исключительно по расчету, и все условия предварительно оговаривались и фиксировались в свадебном контракте с помощью свахи. Свахи действовали во всех классах, сословиях и слоях населения и подбирали невесте жениха в соответствии с ее уровнем, обстоятельствами и даже характером. В подавляющем большинстве случаев браки заключались исключительно внутри одного сословия. У невесты был минимальный шанс с помощью замужества попасть в высшее сословие - для этого ей необходимо было быть поистине прекрасной.


Если девушка была очень молода и хороша собой, то, согласившись на брак с богатым человеком значительно старше себя, она могла подняться по социальной лестнице и даже получить титул. Однако же никакая худородная девушка, даже самая красивая, не могла стать женой особы королевской крови, по той причине, что такие браки считались морганатическими, т.е. недействительными, и дети от такого брака ни при каких обстоятельствах не могли иметь титула и претендовать на трон.

Поскольку подвенечное платье являлось частью приданого, в свадебном контракте тщательнейшим образом фиксировалось, сколько и каких именно тканей (парчи, бархата…), мехов и элементов декора должно уйти на его изготовление. Сторона жениха бдительно следила за тем, чтобы все условия, касающиеся подвенечного платья невесты, строго соблюдались.


В 15 в. уже носили платье с корсетом! Котарди - так называется этот тип платья с высокой талией, всегда с готическим треугольным вырезом и длинными рукавами. В эпоху готики в моде была беременность, и женщины часто носили под платьем специальные накладные "животики", чтобы ее имитировать и создать знаменитый "готический силуэт". Этот силуэт прекрасно представлен в готической скульптуре и живописи и демонстрирует нам "беременных" даже невест - таково было требование моды. Мода на беременность возникла в эпоху крестовых походов и была вызвана тем, что женщины в то время слишком подолгу были одни, пока их мужчины воевали за Гроб Господень в Палестине. Когда мужья возвращались, женщины с удовольствием беременели, и это состояние беременности ассоциировалось со счастьем и благополучием.


Другая примета того времени - мода на круглое блинообразное лицо с раскосыми глазами, похожее на монгольское. И в этом нет ничего удивительного, если учесть, что самой серьезной силой и самым крупным государством Средневековья была Орда, Татаро-монгольское ханство. Ордой была завоевана вся Средняя Азия, Русь и пространство до границ с Литвой. Кроме того, эта эпоха находилась под впечатлением от рассказов итальянца Марко Поло, посетившего, в частности, Китай, и рассказавшего европейцам о красоте тамошних женщин.


Жительницы Европы, антропологический тип внешности которых совершенно не соответствовал этому облику, делали все, чтобы приблизить свою внешность к этому идеалу. Поскольку грим был категорически запрещен церковью, им приходилось добиваться этого другими средствами. Во-первых, выщипывались и выбривались волосы надо лбом, иногда до 3 см, что делало лоб выше и покатей. Во-вторых, выщипывались все брови и все ресницы - как верхние, так и нижние. В-третьих, различными средствами провоцировались болезни и болезненные состояния, сопровождающиеся отеком лица - при отеке одутловатые щеки и заплывшие глаза создавали эффект "сощуренности" и приобретали раскосость.


В Средние века в Европе свирепствовали страшные эпидемии чумы, оспы и других смертельных болезней. Именно поэтому было не слишком популярно умывание и другие гигиенические процедуры, ставшие впоследствии повседневными и обязательными - люди боялись проточной воды. И имели для этого все основания, т.к. зараза распространялась, в том числе, и через воду. Естественным следствием такого положения вещей было то, что люди не слишком хорошо пахли и страдали от паразитов вроде блох, живших в одежде, и вшей. Вот почему места, где продается старая одежда, во всем мире называются "блошиными рынками" - ведь одежда продавалась там вместе с блохами. И вот почему итальянцами были изобретены духи - для того, чтобы перебивать неприятный запах, исходивший от человека.


На голове средневековой невесты красовался головной убор в форме готической башни. Такие уборы назывались эненами и могли достигать высоты 1 м. Ходить и даже стоять с таким предметом на голове было очень трудно, вот почему невесты того времени всегда смотрели лицом вниз - это позволяло удерживать энен, не позволяя ему свалиться. Цветовая гамма средневекового костюма не регламентировалась и потому была очень и очень разнообразной.

Самый древний элемент подвенечного платья, дошедший до наших дней - это фата. Идея фаты пришла с наступлением христианской эры, таким образом, этому аксессуару уже 2000 лет! Конкретная форма и фасон фаты варьировались в зависимости от эпохи и местности, но ее смысл, как символа целомудрия и непорочности невесты, во все века оставался неизменным. В Средние века фата делалась из шелка и стоила очень дорого.


В 15 в. при французском дворе стали устраиваться так называемые "белые балы" - гулянья и празднества, посвященные какой-либо теме, где всем гостям полагалось быть в белом. Таким образом, именно Франция ввела в моду тематические костюмы одной цветовой гаммы.


Красный цвет стал наиболее популярным для уборов невест в конце Средневековья и в эпоху Ренессанса. Однако, появление в 16 в. такого религиозного течения, как протестантизм, и его германской ветви - лютеранства, во главе которого стоял Мартин Лютер, заставило отойти от ярких цветов.


Именно из Германии происходит идея приоритета черного цвета, подхваченная затем испанцами и итальянцами. Технически воцарение черного цвета стало возможным после открытия Америки, откуда, наряду со множеством других невиданных растений и предметов, был привезен черный краситель в количестве, достаточным для массового использования на территории Европы. В предыдущие же века черная краска была слишком дорогой и недоступной большинству населения.


Подвенечные платья 16 в. повторяли модный силуэт того времени. Специальной свадебной моды не существовало, а подвенечное платье являлось, фактически, просто лучшим и наиболее дорогим из нарядных одеяний, и отличалось только своей обязательной новизной.


В эпоху Барокко в моду вошла полнота. Большие, объемные вещи с крупными рукавами, органично смотрелись на пышнотелых красавицах с пухлыми щечками. В этот период завоевали популярность подвенечные платья желтого и золотого цвета. Главным элементом их декора стало кружево, тоже превратившееся затем в традиционную отделку свадебного наряда.


Начало 17 в., эпоха мушкетеров - это время огромных кружевных воротников. Нижнее белье невесты состояло из трех и более нижних юбок и чулок до колен, и этим ограничивалось. Поскольку ношение панталон в ту эпоху считалось принадлежностью ремесла женщины легкого поведения.


Чулки держались на подвязках, представлявших собой валик, для мягкости набитый хлопковой ватой и завязывавшийся под коленом на бант из лент. Подвязки украшались не только бантами, но и изысканной вышивкой, нередко с кокетливыми девизами, вроде "Каждый охотник знает, где живут кролики" или "Если Вы забрались так высоко, то можете продолжать еще выше". Вторая половина 17 в. привносит в свадебные наряды моду на розовый и коралловый цвета.


В случае, если невеста уже была однажды замужем, т.е. вдова, предполагалось менее роскошное платье предпочтительно темных цветов, например, красное с черным подбором. Однако кружевные элементы допускались и, по-прежнему, играли важнейшую роль. Одним из таких элементов являлся воротник фрэза, который по-русски называли брыжжами или плоеным воротником.


Появлением воротника такого типа Европа тоже обязана открытию Америки - ведь только после этого события в Старом Свете появился картофель, а именно из него, как известно, делается крахмал, без которого невозможно создать подобную конструкцию. В свою очередь, распространение этого воротника привело к необходимости создания такого предмета сервировки, как вилка. До 16 в. европейцы ели с помощью ножей, ложек и просто руками. Но в плоеном воротнике обойтись без вилки было никак нельзя, если, конечно, не смириться с тем, что дорогостоящий предмет туалета будет безнадежно испорчен при первом же приеме пищи.


Далее пришла эпоха воротников-медичи. Подвенечные платья, по-прежнему, были цветными, но богато украшенными, часто золотом или вышивкой, и отделанными кружевом. В 18 в. в моду для подвенечных платьев вошли пастельные тона - нежно-голубой, нежно-розовый, светло-зеленый. Эпоха Рококо ввела в моду серебряные и серебристо-жемчужные тона.


Юбки платьев Рококо были очень широкими, поскольку надевались на панье - специальную конструкцию, обеспечивавшую форму крутых широких боков, практически параллельных полу. Корсеты таких платьев были настолько узкими и так сильно подпирали грудь, что она практически выходила наружу. Наряд дополнялся обувью на небольшом каблучке и длинными панталончиками в сборку. Характерным элементом декора эпохи Рококо является обилие цветов и цветочных гирлянд и множества бантов, сочетавшихся с живописными, часто асимметричными подборами.


Моду на светлые - слоновой кости, кремовые, но еще не белые - платья принесла с собой эпоха Неоклассицизма. Инспирировано это было раскопками в Помпеях и Геркулануме. Достоянием общественности стало множество образцов римского искусства - скульптура из светлого мрамора, знаменитые фрески и мозаики помпейских вилл, причем все эти произведения были в очень неплохой сохранности. Все это оказало очень сильное влияние на моду. Стали популярными драпирующиеся шелковые платья мраморного цвета, постепенно подводящие нас к белым платьям.


Концом платьев 18 века - из шелка на корсетах с большими фижмами была Великая Французская Революция 1789 г., которая упразднила многие привилегии аристократии и дворянства. Ушли в прошлое пудреные парики, богато вышитые роброны, корсеты, обувь на каблуках. Под влиянием идей античности, Древней Греции и Рима, в моду в конце 1790-х гг. входят высокая талия и белые платья, которые стали главенствующими в период Директории и Консульства. Эта мода стала предвестницей приоритета белого цвета в подвенечных нарядах последующих эпох.


Подвенечные платья стали белыми первоначально просто потому, что все платья в эпоху Ампир были белыми, подражая белизне античных мраморных статуй, находимых в раскопках. Силуэт этих платьев с максимально высокой талией и очень маленьким рукавчиком, со струящимися до пола драпировками из полупрозрачных тканей был навеян силуэтом античной колонны. Такой фасон не предполагает корсета, поэтому под платьем-ампир носили белье из трикотажа телесного цвета. Эта мода не была адаптирована к холодной погоде, и платье-ампир сопровождалось, как правило, теплой шалью или меховым боа. Эпоха наполеоновских войн, когда мужчин стало мало, поскольку все они воевали, ставила женщин в условия жесткой конкуренции, вынуждая их максимально обнажаться, зачастую подвергая опасности свое здоровье - воспаление легких и туберкулез были распространеннейшими заболеваниями того времени.

Считается, что первым белым подвенечным платьем было платье, сшитое при французском дворе для бракосочетания принцессы Мюра. С тех пор подвенечные платья остаются белыми вот уже 200 лет подряд, хотя просто нарядные платья по окончании наполеоновских войн вновь стали цветными.


Однажды закрепившись, белый цвет для подвенечного платья стал каноничным. Поскольку одно из непременных качеств наряда для бракосочетания - его старомодность и традиционность. Невеста в своем подвенечном уборе должна не выглядеть героиней своего времени, а выглядеть немного старомодно, соответствуя вкусам предыдущего поколения, к которому принадлежат родители ее будущего мужа. Быть старомодной, традиционной, добропорядочной и ассоциироваться с эпохой отцов - это важный психологический момент, учитывающийся в подвенечном уборе. Именно поэтому даже в 60-е годы, эпоху торжества мини, подвенечное мини-платье или брючный костюм, хоть и встречались иногда, но все же были большой редкостью.


Самым модным материалом для подвенечного платья в 19 веке стали блонды - особый вид кружева. Блонды были шелковыми в отличие от остальных видов кружев, которые делались из льняных нитей. Блонды отличаются необычайно красивым янтарно-золотистым оттенком белого цвета, они изготавливались на шелковой тюлевой сетке, по которой шелком же вышивались орнаменты и цветочные мотивы. До наших дней дошло очень немного платьев и фрагментов блонд, поскольку это очень нежное, легко рвущееся кружево, которое, к тому же, плохо переносит свет - сечется и разрушается. Платье с блондами шилась на шелковом чехле и непременным элементом подвенечного наряда была фата из блонд же, настолько большая, насколько это позволяло благосостояние невесты. Что касается силуэта, то после 1815 г. впервые вошли в моду рюши в сочетании с высокой линией талии.


Подвенечное платье эпохи Бидермайер (1820-е - 1830-е гг) отличало большое декольте, маленький рукавчик (фонарик или жиго) и линию талии, опустившуюся к своему естественному месторасположению. Платье шилось на нижних юбках, а в низ подола принято было вшивать специальную конструкцию-рулон, предназначенную для того, чтобы платье сохраняло колоколообразную форму. Эти платья в целом соответствуют моде своего времени, но отставание от нее на два три года вполне приемлемо и даже приветствуется по причинам, о которых мы сказали выше.


Когда изобрели машинку для изготовления тюлевой сетки, блонды удешевились, но все равно продолжали оставаться очень дорогими, поскольку вышивка на них по-прежнему выполнялась только вручную.


Начиная с 1830-х гг невесты стали украшать себя специальным убором из цветов апельсина - флер-д'оранж. С тех самых

О веере.

В наше суетливое, стремительное время эта изящная вещица встречается редко. Веер сегодня используют разве что в театральных постановках, на костюмированных праздниках, или в качестве украшения квартиры – бумажные веера стали часто вешать на стену. А ведь когда-то эта милая "безделица" имела огромное множество смыслов.

С момента своего появления веер приобретал всё большее значение. Сначала он был средством защиты от духоты и насекомых, и назывался опахало. В древности в странах с жарким климатом, таких как Индия и Египет, опахало делали из листьев пальм и лотосов. До сих пор точно не установлено кому принадлежит идея создания этого уникального предмета. Японцы оспаривают первенство изобретения веера китайцами и индийцами. Но тот факт, что обыкновенный лист превратился из средства охлаждения в предмет роскоши и власти, является неоспоримым.


В Древнем Египте опахало являлось атрибутом величия фараона и признаком высокого достоинства. Эта принадлежность гардероба обозначала положение важной особы в обществе, её высокий статус. Веера часто носили лица царской фамилии, которые даже имели специальный титул – "носитель веера с левой стороны". Подобные функции имел веер в Индии и Персии. В Древней Греции, Риме, и на Крите использовались восточные опахала из листьев и перьев, в частности – павлиньих на деревянной или костяной основе. В Риме такое опахало на ручке называлось флабеллум. А молодые невольники, обмахивающие веером своих хозяек, звались – флабелеферами.


В Древнем Китае веер являлся важным знаком сословного различия. Существовала особая иерархия, чётко контролирующая кому какой веер носить. Привилегированные лица, например, члены царской семьи, владели опахалом, которое было украшено золотом и нефритом. Сановники (или мандарины) пользовались опахалом из серебра и слоновой кости. Самым простым был веер учёного – из вощёной бумаги. Уровень и сложность исполнения веера - изысканность формы, дороговизна материала, техника, в которой работал мастер - имели определяющее значение. Декор веера зависел не только от статуса его хозяина, но и от возраста, профессии, а также от времени года, события, местности.


Надписи и рисунки, которыми художник с ювелирной точностью, вручную покрывал веер, не только несли важную смысловую нагрузку, но и делали этот аксессуар настоящим произведением искусства.


Веер в Китае и Японии имеет давнюю историю. Традиции, связанные с этой вещицей, замысловаты и удивительно красивы, в них зашифровано бесконечное множество символов и смыслов.


Китайские поэты относили возникновение опахала к эпохе императора У-Вана, жившего во втором тысячелетии до нашей эры. Позже появились круглые бумажные веера на ручке, которые в I веке нашей эры у Китая заимствовала Япония - веер "утива".


В японском языке четко различаются два типа веера - утива и сэнсу. Сэнсу – веер китайского происхождения из пластин, которые могут складываться и разворачиваться.


Во многих японских книгах и фильмах можно увидеть, что, так называемый боевой веер был сделан на раскладной основе сэнсу. Таким веером японские воины могли не только нанести ощутимый удар по голове противника, но и, резко развернув веер, разрезать ему горло: кромки такого веера затачивались остро! Ребра такого веера делались из ценных пород древесины (сандала или японского кедра, реже - из бамбука) и оклеивались затем японской бумагой.


В ХII в. Веера - сэнсу стали предметом реквизита придворных дам, чью утонченность и чувственность очень удачно подчеркивали изящные полукруглые очертания веера. Отойдя от полной страстей жизни при дворе, многие аристократки становились монахинями храма Миэйдо, сохранив в своих руках сэнсу как одну из частей грешного мира, которые разрешалось держать в монастыре. Отсюда второе название некоторых разновидностей этого типа веера - "миэйдо". Кроме того, древние японские легенды гласили, что именно такие веера были в руках богов. Они стали своего рода признаком родовитости человека, в чьих руках находился этот веер. Позже это иерархическое значение было утрачено, и сэнсу стал одним из прелестных образцов декоративно-прикладного искусства и желанным сувениром к Новому году.


Утива - это веер в виде лепестка или опахала, сделанный из единого куска дерева или из проволоки, обтянутой шелком или из картона; традиция считает его чисто японским изобретением. В период Эдо веера - утива получили большое распространение и особенно полюбились в среде артистов. Появились новые мотивы картин, выполненных на веерах, они становились все более сложными и изысканными. Веера в это время становятся неотъемлемым атрибутом среднего класса, актеров, гейш и борцов сумо. Их популярность способствовала и росту популярности вееров, которые выпускались в огромных количествах до самого конца ХIХ в.


Одновременно с появлением в Японии зонтиков от солнца возник и новый вид веера - оги. Оги еще иногда называют "солнечным веером" из-за его легкости и внешнего вида, напоминающего часть солнечного диска с исходящими лучами. Оги применялся и применяется танцорами, популярен он и у гейш (которые порой используют его в традиционных танцах). Относительно небольшое количество ребер, легкость в складывании и разворачивании, а также большая возможность для нанесения рисунка делают оги незаменимым для опытного артиста. Впрочем, в средние века оги, как и другие веера, был знаковым предметом и также служил признаком состоятельного положения и богатства.


Вскоре моряки и путешественники привезли диковинку в Европу. Там веер прижился всего на несколько столетий. И хотя на Западе он не обрёл столь богатую историю, как на Востоке, всё же, стал предметом роскоши в руках светских барышень.


Был придуман особый тайный язык жестов, на котором общались избранные. Язык веера появился во Франции в эпоху Людовиков (хотя некоторые считают, что он пришел из Испании), а потом перекочевал и в Россию. Веер являлся неизменным спутником дам всех возрастов на приёмах и балах. Обмахиваться веером барышни начинали уже в возрасте 13-14 лет.


Язык этого выразительного аксессуара был полон нюансов и отражал почти всю гамму эмоций дамы из высшего общества. Существовала целая система жестов и положений веера в руке, каждый из которых обозначал какую-то фразу или кокетливый намёк. Приведем лишь несколько примеров. Когда девушка открытым веером дотрагивалась до левого уха, это означало: "Будьте осторожны, за нами следят". А когда барабанила закрытым веером по ладони левой руки, то, как бы говорила: "Я сделалась недоверчива". Чтобы признаться в любви, достаточно было коснуться раскрытым веером ладони правой руки, а когда кавалеру хотели сказать резкое "ненавижу", то закрывали веер и подносили к правому плечу.


Подавать собеседнику свой веер верхним концом – значит выразить ему свою симпатию и расположение. А нижним концом – выказать своё презрение.


В наше время веер утратил свой таинственный язык и превратился в безмолвный сувенир… Веера вешают на стену, в качестве дизайнерского украшения. Иногда их можно увидеть в руках горожан в разгар лета, когда воздух застывает от жары и пекла. В остальных случаях этот аксессуар выглядит экзотично. И только в Японии и Китае веера до сих пор используются танцорами, исполнителями традиционных песен и актерами театров. В их руках веер оживает и обретает язык! В танце веер может символизировать различные предметы, от кисти до боевого меча. Зрелище танцующего с веером всегда завораживает и потрясает красотой.